Garuda - Garba Rujukan Digital

Eksotika Lee Man Fong : Sebuah Kolaborasi Apik Seni Rupa Modern dan Seni Lukis Tradisi China Satrio Hari Wicaksono
Journal of Urban Society's Arts Vol 4, No 2 (2017): October 2017
Publisher : Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/jousa.v4i2.2163

In the development of Indonesian art, many artists who then fill out the history of the art of this country with a wide range of distinctive characteristics as a statement of the identity of the artist in his work, not to mention Lee Man Fong. Characteristics that are present in his work is a new breakthrough that combines the character of modern Western art with Eastern art, particularly China. A different viewpoints but can be combined and harmonized beautifully by the artist. With the approach does, Lee Man Fong able to get admission in the middle of rampant identity themes that are starting to be an important theme in the struggle of Indonesia. While many doubted the sense of nationalism, because the themes present in his work is more about the daily life and explores the theme instead filled with the spirit of struggle, but the emotional intimacy that is present in his work is able to capture the reality of the life of the Indonesian people that might escape from the views of many. A manifestation of the artist's love of the little things around it. Didn’t many artists are able to portray himself as a strong identity in his work, but Lee Man Fong's capacity and unique views will present a new visual way to penetrate the sustainability of Indonesian art that has evolved during that time. The use of methods, techniques, perspectives, and understanding which is a collaboration between the schools of modern and classic is the force that makes Lee Man Fong became one of the distinguishing elements. An approach that provides a fresh new look and adds such a richness of Indonesian art.

LUKISAN CAT AIR DENGAN ESTETIKA CLOSURE Deni Junaedi; Satrio Hari Wicaksono
Imaji Vol 17, No 1 (2019): IMAJI APRIL
Publisher : FBS UNY

Estetika closure merupakan nilai estetis yang diambil dari psikologi persepsi. Kaidahnya menyatakan bahwa persepsi seseorang akan menutup kekurangan bentuk agar menjadi bentuk utuh sebagaimana yang biasa dikenali. Nilai estetis ini dapat diaplikasikan untuk penciptaan lukisan cat air dengan efek-efeknya. Penelitian ini dijalankan dengan mempraktikkan penciptaan lukisan cat air di luar studio menggunakan estetika closure. Objek lukisan digolongkan menjadi dua jenis, yaitu objek terintegrasi dan objek disintegratif. Objek terintegrasi merupakan objek yang unsurnya merupakan satu kesatuan yang cenderung tidak terpisahkan; objek disintegratif adalah kebalikannya. Penghilangan elemen pada objek integratif dilakuakan dengan cara tidak melukiskan bagian tertentu dari kesatuan objek yang dipilih; sementara pada objek disintegratif dapat dilakukan dengan menghilangkan bagian tertentu dari tiap elemen yang ada. Bagian yang dihilangkan dapat diisi dengan efek cat air, baik efek wet on wet, cipratan, lelehan, maupun efek yang lain. Penelitian ini penting untuk pendidikan seni pada tingkat institut. Kata Kunci: Lukisan, cat air, estetika closure WATERCOLOR PAINTING ON CLOSURE AESTHETICSAbstract: Closure aesthetics is an aesthetic value based on perceptual psychology. The principle is perception will close reduced shapes for completing the whole shapes as they usually appear. This aesthetic value can be applied for creating watercolor paintings, especially on watercolor effects. This study is conducted by practicing outdoor paintings based on closure aesthetics. There are two kinds of painting objects, i.e. integrated objects and disintegrated objects. Elements of integrated objects tend uniting so cannot separate; contrary, the ones of disintegrated objects are easily to distract. Hiding of elements in integrated objects is by ignoring some sides of the objects; meanwhile, for disintegrated objects, it is by ignoring some side of elements of the objects. The hidden elements or hided sides are applied by watercolor effects, such as wet on wet, splashing, melting, and other effects. This research is important for education in an institute of art. Keywords: painting, watercolor, closure aesthetics

Semiotics Studies in Agan Harahap's Work: Manipulation of Reality on social media Satrio Hari Wicaksono; Shidqi Annas Al Haris Sholih
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 9, No 2 (2022): December 2022
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v9i2.8228

Digital-based media art is growing massively because it is in line with the existence and usefulness of digital-based devices, which are increasingly crucial in their function in society, such as photography which is not just for capturing moments and aesthetic needs but the need to offer information to others. It no longer presents the image as it is but can also deliver a 'fantasy' and appearance that does not happen in the real world through the editing process. The easier it is for virtual access to be obtained through devices in their hands, people are increasingly flooded with text and images with different content. To minimize misinformation, it takes public agility to sort out information and maturity in tracing cyberspace, mainly social media. Agan Harahap, an artist who uses the medium of photography as his language, often uses the process of editing photos to provide a representation of the 'new reality in his work. Harahap, who is interested in this phenomenon, uses social media as a means of publication so that it can be appreciated and provide an overall awareness process. The method used in this study is a case study through a semiotic approach to reading the symbols used by Harahap in his work. With the direction of the medium of photography and social media, Harahap arouses people's awareness to be aware of the reality offered in a piece of information. Kajian Semiotika dalam Karya Agan Harahap: Manipulasi Realitas pada Media Sosial Abstrak Seni media berbasis digital tumbuh secara masiv karena sejalan dengan keberadaan dan kegunaan gawai berbasis digital yang semakin krusial fungsinya di masyarakat. Seperti fotografi yang tidak hanya sekedar untuk menangkap momen dan kebutuhan estetik saja namun kebutuhan menawarkan sebuah informasi bagi orang lain. Tak lagi menghadirkan gambar apa adanya, namun juga mampu menghadirkan sebuah ‘fantasi’ dan tampilan yang sebenarnya tak terjadi di dunia nyata melalui proses editing. Semakin mudahnya akses virtual didapatkan melalui gawai dalam genggaman, masyarakat kian dibanjiri oleh teks maupun image yang memiliki beragam konten. Dibutuhkan kesigapan masyarakat untuk memilah informasi dan kedewasaan dalam menelusuri dunia maya, khususnya media sosial untuk meminimalisir informasi yang salah. Agan Harahap, sebagai seniman yang memanfaatkan media fotografi sebagai bahasa ungkapnya, acapkali melakukan proses pengeditan foto untuk memberikan sebuah representasi ‘realitas baru’ dalam karyanya. Harahap yang tertarik dengan fenomena ini menggunakan media sosial sebagai sarana publikasi agar dapat diapresiasi dan memberikan proses penyadaran secara luas. Metode yang digunakan dalam penelitian ini ialah studi kasus melalui pendekatan semiotika untuk membaca simbol yang digunakan Harahap dalam karyanya. Dengan pendekatan medium fotografi dan media sosial, Harahap berupaya menggugah kesadaran masyarakat untuk mawas terhadap realitas yang ditawarkan dalam sebuah informasi.

Fungi as an Art Medium: The Study of the Art Medium of Philip Ross and Syaiful Aulia Garibaldi Satrio Hari Wicaksono; Budi Irawanto; Agung Hujatnika
Journal of Urban Society's Arts Vol 10, No 1 (2023): April 2023
Publisher : Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/jousa.v10i1.6793

This research aims to read the creative process carried out by bio-art artists who use fungi as a medium of character, namely Phillip Ross and Syaiful ‘Tepu’ Garibaldi and explore the potential values in their nature. New media art became an essential umbrella for non-conventional art genres related to other disciplines, such as ecology- based art, kinetic art, video art, bio-art, etc. An interdisciplinary approach that is no longer related to a single system but a synergy between fields of science to solve increasingly complex social and environmental problems. As a new genre, bio-art synergy art and science involving organic creation components. The use of animals, viruses, fungi, and plants is the differentiator that marks the formation of bio-art works. Research methods will be conducted with methodological approaches to art history, anthropology, and semiotics. The unusual process of fungi formation used as a medium of art and ecological issues became a powerful narrative that both artists generally raised. The synergy between art, science, and technology in the creation process is a new reference in the method of art creation, especially bio-art so that the process of fungi formation that is not commonly used as a medium of art and ecological issues related to it as a powerful narrative that the two artists generally raise becomes the main subject of study. Jamur sebagai Media Seni: Kajian Media Seni Philip Ross dan Syaiful Aulia Garibaldi. Penelitian ini bertujuan untuk membaca proses kreatif yang dilakukan oleh seniman bio-art yang memanfaatkan fungi sebagai media kekaryaannya, yaitu Phillip Ross dan Syaiful ‘Tepu’ Garibaldi serta menggali potensi nilai-nilai yang ada dalam kekaryaannya.Seni media baru menjadi payung penting untuk genre seni non- konvensional yang terkait dengan disiplin ilmu lain, seperti seni berbasis ekologi, seni kinetik, seni video, bio-art, dll. Pendekatan interdisipliner yang tidak lagi terkait dengan pendekatan tunggal tetapi sinergi antara bidang sains untuk memecahkan masalah sosial dan lingkungan yang semakin kompleks. Sebagai genre baru, bio-art adalah sinergi antara seni dan sains yang melibatkan komponen penciptaan organik. Penggunaan hewan, virus, jamur, dan tumbuhan adalah pembeda yang menandai pembentukan karya bio-seni. Metode penelitian akan dilakukan dengan pendekatan metodologi sejarah seni, antropologi, dan semiotika. Proses pembentukan fungi yang tak lazim digunakan sebagai media seni dan isu-isu ekologi yang berkaitan dengannya, menjadi narasi besar yang secara umum diangkat oleh kedua seniman tersebut. Sinergi antara seni, ilmu pengetahuan, dan teknologi dalam proses penciptaan adalah referensi baru dalam metode penciptaan seni, terutama bio-art, sehingga proses pembentukan fungi yang tak lazim digunakan sebagai media seni dan isu-isu ekologi yang berkaitan dengannya sebagai narasi besar yang secara umum diangkat oleh kedua seniman tersebut, menjadi pokok kajian utamanya.

Representation of Locality in Media Art in Yogyakarta: Dedy Shofianto's Kinetic Art Case Study Wicaksono, Satrio Hari
Journal of Contemporary Indonesian Art Vol 10, No 1 (2024)
Publisher : Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/jocia.v10i1.12393

In the development of contemporary art, the issue of identity becomes a central and important thing to be studied more deeply, especially the personal or communal identity of marginalized parties in the context of modern society. This is what makes local values elevated and become a specific, unique identity character and become the characteristic of the artist in his work. Similarly, artists in Indonesia form a qualified personal representation with specific local values based on their background. Not just dwelling on conventional media, artists explore media more broadly. New media such as digital devices, kinetics, sound and so on are felt to be able to represent the state of the surrounding environment without abandoning the local identity that remains attached. Dedy Shofianto is one of the Yogyakarta artists whose execution uses conventional media but with a different approach, where kinetic elements become an identity that is closely related to the artist, which is supported by a strong local content narrative. The visual representation and material characteristics carried have a background and cultural narrative that is a unique characteristic of each of Shofianto's works, such as the use of wood materials that are attached to Indonesia as a tropical country and the myths of the archipelago are visible representations in Shofianto's works.Dalam perkembangan seni kontemporer, persoalan identitas menjadi hal yang pokok dan penting untuk dikaji lebih mendalam, khususnya identitas personal atau komunal dari pihak yang terpinggirkan dalam konteks masyarakat modern. Hal ini yang membuat nilai-nilai lokal terangkat dan menjadi karakter identitas yang spesifik, unik dan menjadi penciri yang khas dari sang seniman dalam karyanya. Begitu pula seniman-seniman di Indonesia yang membentuk representasi personal yang syarat dengan nilai-nilai lokal spesifik berdasar latar belakang mereka. Tak sekedar berkutat di media konvensional, para seniman mengeksplorasi media secara lebih luas. Media-media baru seperti perangkat digital, kinetik, suara dan lain sebagainya dirasa mampu merepresentasi dengan keadaan lingkungan di sekitar tanpa menanggalkan identitas lokal yang tetap melekat. Dedy Shofianto adalah salah satu seniman Yogyakarta yang eksekusi kekaryaannya menggunakan medium konvensional namun dengan pendekatan yang cenderung berbeda, dimana unsur kinetik menjadi identitas yang lekat dengan sang seniman, yang didukung dengan narasi muatan lokal yang kuat. Representasi visual dan karakteristik material yang diusung memiliki latar belakang dan narasi kultural yang menjadi ciri khas unik dari masing-masing karya Shofianto, seperti penggunaan material kayu yang lekat dengan Indonesia sebagai negara tropis dan mitos-mitos nusantara menjadi representasi yang terlihat dalam karya-karya Shofianto.

Proses Penciptaan Dan Penyajian Karya Patung Publik Pada Jogja Street Sculpture Project #5 Rahayu, Ananta Dewi; Rosidi, Muhammad Rain; Wicaksono, Satrio Hari
Journal of Contemporary Indonesian Art Vol 10, No 1 (2024)
Publisher : Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/jocia.v10i1.12650

The Jogja Street Sculpture Project (JSSP) exhibition is a programme by the Indonesian Sculptors Association (API) in collaboration with the Culture Service in the form of a public sculpture. The fifth JSSP, with the theme Ruwat Gatra Rasa: Redefining Form and Space, is located along Jalan Malioboro. The author researches the creative process of creating and presenting public sculpture using a qualitative descriptive method with an approach to the theory of the creation process, the theory of the function of art, the presentation of public sculpture, and the elements of sculpture. Data collection was carried out through a literature review, interviews, and observations. Public interest is present in four stages of creation, (1) Pre-Design, (2) Design, (3) Realization, and (4) Presentation. Aspects of public response are also explained, where anticipation of public interaction is also taken into account in the process of creating works exhibited by artists and the organizing committee. In the presentation aspect, the author examines the elements of sculpture that are present, the public response, and improvements made by the artist. Pameran Jogja Street Sculpture Project (JSSP) merupakan program Asosiasi Pematung Indonesia (API) yang bekerjasama dengan Dinas Kebudayaan, berbentuk pameran patung di ruang publik. JSSP kelima dengan tema Ruwat Gatra Rasa: Redefining Form and Space berlokasi di sepanjang Jalan Malioboro. Penulis meneliti tentang proses kreasi penciptaan dan penyajian seni patung publik menggunakan metode deskriptif kualitatif dengan pendekatan teori proses kreasi, teori fungsi seni, penyajian patung publik, dan elemen-elemen seni patung. Pengumpulan data dilakukan dengan kajian pustaka, wawancara, dan observasi. Kepentingan publik hadir dalam empat tahapan penciptaan, (1) Pra Perancangan, (2) Perancangan, (3) Perwujudan, dan (4) Penyajian. Aspek respon publik juga dipaparkan, di mana antisipasi interaksi publik juga diperhatikan dalam proses penciptaan karya yang dipamerkan oleh seniman dan panitia penyelenggara. Dalam aspek penyajian, penulis mengkaji elemen seni patung yang hadir, respon publik, dan perbaikan yang dilakukan seniman.

Penggunaan Kosakata Ciptaan Roald Dahl Sebagai Ide Penciptaan Karya Seni Lukis Kurniawan, Naja Izzah; Wicaksono, Satrio Hari; Junaedi, Deni
Journal of Contemporary Indonesian Art Vol 10, No 1 (2024)
Publisher : Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/jocia.v10i1.12645

Painting is a visual language that can be the means of expressing one's creative expression and is useful in improving one's ability to think and imagine, especially one's aesthetic sensitivity. The transfer of language from verbal language to visual language is carried out in this Final Project by adopting the use of unique vocabulary found in Roald Dahl's children's novels in the form of paintings.‘Gobblefunk’ is a term created by Dahl to describe his own language. In this Final Project, his gobblefunk vocabulary is interpreted and used in the title of the work which has personal tendencies before being realized as a painting. The hope of achieving this Final Project is to represent the use of vocabulary created by Roald Dahl and the world of fantasy contained in his writings. This is channeled through a series of works that have a surrealistic component, colours that give a fantasy feel, human figures, and/or man-made or natural objects/subjects that are integrated into watercolour paintings with the addition of other media. Seni lukis merupakan salah satu bahasa imaji yang mampu menjadi sarana dalam mengeluarkan ekspresi kreatif seseorang dan bermanfaat dalam mengasah kemampuan berpikir dan berimajinasi, ataupun kepekaan estetika seseorang. Alih wahana dari bahasa verbal menjadi bahasa imaji dilakukan dalam Tugas Akhir ini dengan mengangkat penggunaan kosakata unik yang ditemukan dalam novel anak ciptaan Roald Dahl ke dalam wujud karya seni lukis. ‘Gobblefunk’ merupakan istilah yang dibuat oleh Roald Dahl untuk menyebut bahasa ciptaannya sendiri. Dalam Tugas Akhir ini, kosakata gobblefunk ciptaan Roald Dahl diinterpretasi dan digunakan dalam judul karya yang bersifat personal sebelum diwujudkan sebagai lukisan. Harapan capaian dari Tugas Akhir ini untuk merepresentasikan penggunaan kosakata ciptaan Roald Dahl dan dunia fantasi yang terdapat dalam tulisan-tulisannya. Hal tersebut disalurkan melalui rangkain karya yang memiliki komponen surealistik, warna yang memberikan nuansa fantasi, figur manusia, dan atau objek/subjek buatan manusia maupun alami yang terpadukan dalam lukisan cat air dengan tambahan media lain.

Kajian Teori Formalistik Pada Patung Figur Deformatif Karya Win Dwi Laksono Dengan Pendekatan Semiotika Berna, Edbert Antonio; Wicaksono, Satrio Hari; Wantoro, Yoga Budhi
Journal of Contemporary Indonesian Art Vol 10, No 1 (2024)
Publisher : Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/jocia.v10i1.12649

In this article, we will examine the signs and meanings of five works by Win Dwi Laksono. Win Dwi Laksono is an artist, especially in sculpture, who uses his body as the embodiment of his artistic ideas in his figurative sculpture works. His works are full of symbolic expressions about various thoughts, life experiences, and the philosophy of life that he believes in. The research method used in this writing is qualitative which is analyzed using a combination of Clive Bell's formalistic theoretical approaches and Roland Barthes' semiotics to analyze the work of deformative figure sculpture by Win Dwi Laksono. This approach will provide comprehensive insight into the formal elements and meaning contained in these works of art. From the results of the study, it can be seen how broad his feelings are in responding to and interpreting life. In creating his work, Laksono generally has two types of processes in producing shapes and textures, namely textures with finger strokes and smooth textures. This choice came from long practice in making sketches and illustrations which provided him with the precise processing of deformation in each of his personal works. Pada penulisan ini akan mengkaji secara kebentukan dan makna dari lima karya Win Dwi Laksono. Win Dwi Laksono adalah seorang perupa khususnya seni patung yang menggunakan tubuh sebagai perwujudan ide-ide seninya di dalam karya-karya patung figuratifnya. Karya-karyanya sarat dengan ungkapan simbolik tentang berbagai pemikiran, pengalaman hidup serta falsafah kehidupan yang diyakininya. Metode penelitian yang digunakan pada penulisan ini adalah kualitatif yang dianalisis menggunakan gabungan pendekatan teori formalistik Clive Bell dan semiotika Roland Barthes untuk menganalisis karya seni patung figur deformatif karya Win Dwi Laksono. Pendekatan ini akan memberikan wawasan yang komprehensif tentang elemen-elemen formal dan makna yang terkandung dalam karya-karya seni tersebut. Dari hasil pengkajian tampak umbar rasa beliau dalam menyikapi dan memaknai kehidupan. Pada penciptaan karyanya, Laksono secara garis besar memiliki dua jenis proses dalam menghasilkan bentuk dan tekstur yaitu tekstur dengan pelototan jari dan tekstur halus. Pemilihan ini datang dari latihan yang panjang dalam membuat sketsa dan ilustrasi yang menjadi bekal atas pengolahan tepatnya mendeformasi pada setiap karya personalnya.

Kajian Tema Sosial-Politik Dalam Proyek Bodies Of Power/Power Of Bodies Di Cemeti Institute For Art And Society Wijaya, Alyssa Ratih; Wicaksono, Satrio Hari
Journal of Contemporary Indonesian Art Vol 11, No 1 (2025)
Publisher : Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/jocia.v11i1.15070

Penelitian ini dilatarbelakangi oleh fenomena sosial politik yang sering terjadi beberapa tahun belakangan. Karya seni memiliki peran penting dalam merefleksikan dan mengkritisi realitas sosial politik dalam masyarakat. Penelitian ini bertujuan untuk mengkaji hubungan antara karya seni dengan latar belakang sosial politik, serta bagaimana karya seni dapat menjadi sarana ekspresi dan perubahan dalam konteks tersebut. Dalam kontribusinya, Cemeti Institut mengadakan sebuah proyek seni “Bodies of Power/Power of Bodies” dengan beberapa rangkaian acara; pameran, lokakarya, artist talk, dan simposium. Proyek ini bertujuan untuk bagaimana peran masyarakat atau pelaku seni dengan politik berbicara tentang kekuatan (power) yang mendukung tubuh individual (bodies) masyarakat. Metode penelitian bersifat kualitatif dengan observasi data, melibatkan wawancara dengan seniman juga individu terkait, serta analisis terhadap karya atau kegiatan yang diadakan. Hasil menunjukkan bahwa Bodies of Power/Power of Bodies tidak hanya mencerminkan realitas sosial politik, tetapi juga aktif berpartisipasi dalam pembentukannya dan menjadi platform untuk menyuarakan keinginan, ketidakpuasan, atau perlawanan terhadap kekuasaan dan ketidakadilan sosial. Karya seni mengungkapkan kritik langsung maupun dengan menyediakan ruang untuk refleksi, memiliki kapasitas yang sangat sebagai alat yang efektif untuk melakukan perubahan sosial politik serta memahami hubungan antara karya seni dan konteks sosial politik dapat membantu pembuat kebijakan, aktivis, dan masyarakat umum mendukung perubahan positif.

ANALISA POLITIK IDENTITAS DALAM KARYA-KARYA POTRET DIRI AGUS SUWAGE DENGAN PENDEKATAN SEMIOTIKA Satrio Hari Wicaksono; N Akbar Zuhri
Ars: Jurnal Seni Rupa dan Desain Vol 23, No 1 (2020): April 2020
Publisher : Fakultas Seni Rupa dan Desain, Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Potret diri dalam seni rupa seringkali identik sebagai pengungkapan identitas sang perupa. Banyak seniman yang kemudian menggunakan dirinya sebagai frame atau sudut pandang yang menempatkan sosoknya sebagai bagian dari permasalahan yang diangkat dalam karya. Dalam sejarah panjang seni rupa Indonesia, sudah banyak seniman yang berupaya mengangkat tentang trema potret diri sebagai penanda kedudukannya dalam masyarakat, seperti halnya Agus Suwage yang merupakan seniman kontemporer yang kerap menggunakan dirinya untuk mengkritisi nilai-nilai sosial dalam masyarakat.

Title

Found 10 Documents
Search

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Title Search

Found 10 Documents Search

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Abstract

Title

Found 10 Documents
Search