cover
Article Per Year (5 Year)
All
Home Page
OAI Link
Editorial Team
Contact
Reviewer
Google Scholar
Contact Name
-
Contact Email
-
Phone
-
Journal Mail Official
-
Editorial Address
-
Location
Kab. bantul,
Daerah istimewa yogyakarta
INDONESIA
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies)
Published by Institut Seni Indonesia Yogyakarta
ISSN : 2339191X     EISSN : 24069760     DOI : -
Core Subject : Humanities, Art,
Arts Humanities
Recently, the value of arts studies in higher education level is often phrased in enrichment terms- helping scholars find their voices, and tapping into their undiscovered talents. IJCAS focuses on the important efforts of input and output quality rising of art education today through the experiences exchange among educators, artists, and researchers with their very own background and specializations. Its primary goals is to promote pioneering research on creative and arts studies also to foster the sort of newest point of views from art field or non-art field to widely open to support each other. The journal aims to stimulate an interdisciplinary paradigm that embraces multiple perspectives and applies this paradigm to become an effective tool in art higher institution-wide reform and fixing some of biggest educational challenges to the urban imperative that defines this century. IJCAS will publish thoughtprovoking interdisciplinary articles, reviews, commentary, visual and multi-media works that engage critical issues, themes and debates related to the arts, humanities and social sciences. Topics of special interest to IJCAS include ethnomusicology, cultural creation, social inclusion, social change, cultural management, creative industry, arts education, performing arts, and visual arts.
Arjuna Subject : -
Articles 186 Documents
 10   11   12   13   14 
DIY as Interior Design Education “Everybody Can Be Designer” Nurhayatu Nufut Alimin
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 6, No 1 (2019): June 2019
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v6i1.3322

Abstract

DIY (Do-it-yourself) for home decor is an activity of decorating or repairing the house or making things for home independently rather than paying someone else to do it. DIY gains its popularity nowadays, particularly on the internet. The phenomena of DIY probably will make interior designer lost their job because DIY seems can give a straightforward solution for people by self-study. The present study aimed to reveal what is really going on in the field of interior design today.  The researcher would like to analyze the difference between an interior designer job and DIY content sharing. The researcher collected the data from some popular DIY accounts (DIY; all things thrifty; and the house lars built), some practitioner‘s responses, and interview with the lecturer of the interior design department.  The researcher attempted to answer the question usingphenomenological approach consisting of four steps namely epoche, reduction, variation of imagination, and synthesis of meaning and essence. This phenomenon arises since we begin to enter the fourth industrial revolution where internet handles everything and provides accessibility. One of the positive impacts of this phenomena is that people gain more understanding related to interior design. In other words, this phenomenon makes everybody can be a designer through DIY.
Habitus Creativity of Elementary Teacher Education Department Students in Creating "Batik Cap" Probosiwi Probosiwi
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 6, No 2 (2019): December 2019
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v6i2.3425

Abstract

ABSTRACTThe purposes of this research are finding out the behaviour and creativity patterns of students in making “batik cap”. Subjects of this research were students of the Primary School Teacher Education Department at Universitas Ahmad Dahlan Yogyakarta who took the Art and Skills Education course in the even semester of the Academic Year 2018/2019. The stages of the process analyzed include making batik designs, creating “batik cap” masters, “batik cap” artworks, and finishing the artworks. The research method is qualitative research. Data collection techniques are done by interview, observation, and document review. The data analysis technique used is narration. The results showed that 4P concept contains habitus as a system of practical production schemes, systems of perception, and appreciation practically related to aesthetics that allow for non-aesthetic responses within an object, differently defined in terms of philosophical logic. Students did the practices they had followed the procedure of creative thinking quite well. ABSTRAK Tujuan dari penelitian ini adalah untuk mengetahui pola perilaku dan kreativitas siswa dalam pembuatan “batik cap”. Subjek penelitian ini adalah mahasiswa Program Studi Pendidikan Guru Sekolah Dasar di Universitas Ahmad Dahlan Yogyakarta yang mengambil mata kuliah Pendidikan Seni dan Keterampilan pada Semester Genap Tahun Akademik 2018/2019. Tahapan proses yang dianalisis meliputi pembuatan desain, master "batik cap", karya seni "batik cap", dan menyelesaikan karya seni. Metode penelitian adalah kualitatif. Teknik pengumpulan data dilakukan dengan wawancara, observasi, dan tinjauan dokumen. Teknik analisis data yang digunakan adalah narasi. Hasil penelitian menunjukkan bahwa konsep 4P berisi habitus sebagai sistem skema produksi praktis, sistem persepsi, dan penghargaan yang secara praktis terkait dengan estetika yang memungkinkan respons non-estetika dalam suatu objek, berbeda didefinisikan dalam hal logika filosofis. Mahasiswa melakukan praktik cukup baik dengan mengikuti prosedur berpikir kreatif.
Exploring Self-existence through RajutKejut Craftivism: A case study in Penjaringan Forest, Jakarta Sari Wulandari; Guntur Guntur; Martinus Dwi Marianto
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 7, No 2 (2020): Desember 2020
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v7i2.4653

Abstract

RajutKejut is a knitting community in Jakarta, Indonesia, that has been doing yarnbombing activities since 2014. In 2019, Jakarta Arts Council invited RajutKejut to collaborate with Kampung Air Baja residents in Penjaringan, North Jakarta, in a program called Young Curator Class: Titik Temu Gembira. The program combines forces between RajutKejut and urban village residents to explore life from a different perspective, specifically through art activism. This program’s spirit helps residents have joyful independent lives with dignity through art that encourages life’s passion. The RajutKejut Community shares its knowledge with residents on making necklaces from threads for their dance costumes. This research discusses how RajutKejut brings forward the passion of life through art activism. This research uses Alyce McGovern’s Craftivism method, which dissects craftivism in personal, community, and political aspects. It shows the relation of art to the residents, how art can influence and raise an individual’s potential. The community aspect shows the relation of art and the residents and how art can restore the spirit of togetherness and cooperation. On the political aspect, the art facilitates statements of empowerment from the residents. Through RajutKejut craftivism, the residents have the social capital to help them catch their breath for a while, stop their routines for a moment, and allow them to feel their existence as human beings who have expressions and feelings. Eksplorasi Eksistensi Diri melalui Kraftivisme RajutKejut: Studi Kasus di Hutan Penjaringan, Jakarta ABSTRAK RajutKejut adalah komunitas merajut di Jakarta, Indonesia yang telah melakukan kegiatan ‘bom-benang’ sejak tahun 2014. Pada tahun 2019, Dewan Kesenian Jakarta mengundang RajutKejut untuk berkolaborasi dengan warga Kampung Air Baja di Penjaringan, Jakarta Utara, dalam program Kelas Kurator Muda: Titik Temu Gembira. Program tersebut menggabungkan potensi komunitas RajutKejut dan warga kampung kota untuk mengeksplorasi kehidupan melalui perspektif yang berbeda, khususnya lewat aktivisme seni. Semangat program ini adalah membantu warga untuk memiliki kehidupan mandiri yang menyenangkan dan bermartabat, melalui seni yang mendorong gairah hidup. Komunitas RajutKejut berbagi pengetahuan kepada warga kampung kota, cara membuat kalung dari benang untuk kostum tari mereka. Penelitian ini membahas bagaimana RajutKejut mendorong gairah hidup melalui aktivisme seni. Penelitian ini menggunakan metode Craftivism Alyce McGovern, yang membedah craftivism dalam aspek personal, komunitas, dan politik. Penelitian menunjukkan relasi seni dengan warga kampung, bagaimana seni dapat mempengaruhi dan meningkatkan potensi individu. Dalam aspek komunitas, menunjukkan bagaimana seni berelasi dengan masyarakat dapat mengembalikan semangat kebersamaan dan kerjasama. Pada aspek politik, kesenian memfasilitasi pernyataan pemberdayaan dari warga kampung. Melalui kraftivisme RajutKejut, warga kampung memiliki modal sosial untuk membantu mereka mengatur napas sejenak, menghentikan rutinitas sejenak, dan memberi mereka kesempatan untuk merasakan keberadaannya sebagai manusia yang memiliki ekspresi dan perasaan.
Practice-Based Research in Digital Arts: A Case Study of Wat Phumin, Nan Province, Thailand Tawipas Pichaichanarong
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 6, No 2 (2019): December 2019
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v6i2.4159

Abstract

ABSTRACTThai mural paintings have played a significant role in Thai society since The Sukhothai Kingdom period (1238-1438 AD) until the present. Wattana Boonjub (2009) points out that Mural painting was used for teaching the Thai people in the past. Throughout history, temples have become a crucial part of Thai' lives; for example, Wat Phumin in Nan Province. Wat Phumin has exceptional architecture, beautiful visual presentations of Buddhist storytelling on the walls which depict scenes from the Buddhist Jataka tales, and scenes of everyday life in Nan. These unique characteristics have attracted many visitors to this temple over the years. Also, when those interested visit Wat Phumin, they experience this temple as a Museum. Loïc Tallon et al. (2008) suggests that the museum experience provides an appropriate situation for learning history in an unconventional setting. As a result, previous research titled “Visual Research Practices on Thai Lanna Mural Painting: A Case Study of Wat Phumin, Nan Province” was presented at The 4th International Conference for Asia Pacific Arts Studies (ICAPAS 2016). The results indicated that the information concerning the Lanna mural paintings inside the temples was overwhelming. However, no directions are facilitating Thai and foreign visitors in viewing and understanding at the first episode of storytelling on Lanna mural paintings inside Wat Phumin. Therefore, this research is the result of finding a solution to facilitating visitors in viewing Buddhist Jataka tales through digital arts and digital technology (such as responsive web design, QR codes, etc.) with practice-based design research. ABSTRAK Lukisan mural Thailand telah memainkan peran penting dalam masyarakat Thailand sejak periode Kerajaan Sukhothai (1238-1438 M) hingga saat ini. Wattana Boonjub (2009) menunjukkan bahwa lukisan Mural digunakan untuk mengajar orang-orang Thailand di masa lalu. Sepanjang sejarah, kuil telah menjadi bagian penting dari kehidupan Thailand; misalnya, Wat Phumin di Provinsi Nan. Wat Phumin memiliki arsitektur yang luar biasa, presentasi visual yang indah dari cerita Buddha di dinding yang menggambarkan adegan dari kisah Buddha Jataka, dan adegan kehidupan sehari-hari di Nan. Karakteristik unik ini telah menarik banyak pengunjung ke kuil ini selama bertahun-tahun. Juga, ketika mereka yang tertarik mengunjungi Wat Phumin, mereka merasakan candi ini sebagai Museum. Loïc Tallon et al. (2008) menunjukkan bahwa pengalaman museum memberikan situasi yang tepat untuk belajar sejarah dalam lingkungan yang tidak konvensional. Sebagai hasilnya, penelitian sebelumnya yang berjudul “Praktik Penelitian Visual pada Lukisan Mural Lanna Thailand: Studi Kasus Wat Phumin, Provinsi Nan” dipresentasikan pada Konferensi Internasional ke-4 untuk Studi Seni Asia Pasifik (ICAPAS 2016). Hasilnya menunjukkan bahwa informasi mengenai lukisan mural Lanna di dalam kuil sangat banyak. Namun, tidak ada arahan yang memfasilitasi pengunjung Thailand dan wisatawan asing dalam melihat dan memahami episode pertama pada cerita tentang lukisan mural Lanna di dalam Wat Phumin. Oleh karena itu, penelitian ini adalah hasil dari menemukan solusi untuk memfasilitasi pengunjung dalam melihat cerita Buddha Jataka melalui seni digital dan teknologi digital (seperti desain web responsif, kode QR, dll.) dengan penelitian desain berbasis praktik.
Thesis Writing Model of Art Practice Indro Moerdisuroso; Zaitun Y.A. Kherid
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 7, No 1 (2020): June 2020
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v7i1.4162

Abstract

ABSTRACT The result of this study is contributed to improving the academic thinking of art practice students, especially in the writing of the undergraduate thesis. The problem is about a system of academic thinking as reflected in the thesis guidebook. Students' academic thinking in thesis writing is guided by a manual book published by a local institution. The case in this study is the thesis guidebook of art practice in an art study program. In this book has no explicit explanation on method and analysis aspects. Whereas both of these aspects are precisely the essence of academic thinking, that is research-based thinking. This fact encourages a study of thesis writing model of art practice, particularly on methods and analysis aspects. This study implements a Research and Development (R&D) approach and mixed methods. The model will propose Teikmanis' typology of art-related research, such as practice-led research, research-led practice, and artistic research. It also adapted Barrett's structure of art education, which consisted of conceptual, operational and synthesis aspects. The conclusion of the study showed that the participants were able to arrange a thesis based on this model. Model Penulisan Tesis Praktik Seni ABSTRAK Hasil penelitian ini dikontribusikan untuk meningkatkan pemikiran akademik mahasiswa praktik seni, khususnya dalam penulisan skripsi. Masalahnya adalah tentang berpikir akademis sebagaimana tercermin dalam pedoman skripsi. Pemikiran akademis dalam penulisan skripsi dipandu oleh pedoman penulisan yang diterbitkan oleh institusi terkait. Kasus dalam penelitian ini adalah suatu pedoman skripsi praktik seni dalam suatu program studi seni rupa. Dalam buku ini tidak ada penjelasan eksplisit tentang aspek metode dan analisis. Padahal kedua aspek ini justru merupakan inti dari pemikiran akademis, yaitu pemikiran berbasis penelitian. Fakta ini mendorong studi model penulisan skripsi praktik seni, terutama dalam aspek metode dan analisis. Studi ini menerapkan pendekatan Penelitian dan Pengembangan (R&D) dengan metode campuran. Model ini mengusulkan tipologi penelitian seni Teikmanis, seperti practiceled research, research-led practice, dan artistic research. Selain itu juga mengadaptasi struktur pendidikan seni Barrett, yang terdiri dari aspek konseptual, operasional, dan sintesis. Kesimpulan dari penelitian ini menunjukkan bahwa para partisipan dapat menyusun skripsi berdasarkan model ini.
We Teach Art, but Can Art Teaches Us? John Dewey on the Significance of Art D. Rio Adiwijaya
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 6, No 2 (2019): December 2019
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v6i2.3427

Abstract

AbstractThose who pursue a teaching career in art and design are most likely aware of one of its pressing dilemmas. On the one hand, as a subject situated in the postindustrial higher education setting where the progressive accumulation of knowledge – mostly in propositional form and explaining how things work in physical or social reality – constitutes its main purpose, art are unavoidably driven to adopt the same objective. On the other hand, most artistic activities are not aimed to produce and derived from replicable research propositions but conducted to generate novel artifacts, performances, narratives or experiences in order to enhance artistic universe. Regarding their being as artifactual, non-propositional and idiosyncratic, artworks are unfortunately regarded as mere products of subjective emotions, where it’s appropriate roles are nothing more than spectacles, entertainments or ornaments, which at the same time testify its marginal relationship with knowledge. However, this predicament is not as self-evident as it looks since it is in fact resulted from a particular philosophical outlook, namely, an outlook that bifurcates mind and body, rational and emotional, subject and object, and so forth that comes down to us from the Platonic and Cartesian tradition. It is precisely the thought of John Dewey that profitably conceives art prior to Platonic/Cartesian bifurcation which will be discussed in this paper. Art, for Dewey, is not a product of a mere subjectivity, but instead emerges from “experience,” understood as primary, pre-linguistic (hence pre-dualism) and embodied human-environment “transactions.” Located in such a primary domain, art regains its utmost significance. AbstrakMereka yang mengejar karir dosen di bidang seni dan desain kemungkinan besar menyadari salah satu dilemanya yang mendesak. Di satu sisi, sebagai bidang yang berada dalam lingkungan pendidikan tinggi pasca-industri di mana akumulasi pengetahuan progresif - kebanyakan dalam bentuk proposisional dan menjelaskan bagaimana hal-hal bekerja dalam realitas fisik ataupun sosial - merupakan tujuan utamanya, seni secara tidak terhindarkan didorong untuk mengadopsi tujuan yang sama. Di sisi lain, sebagian besar kegiatan artistik tidak bertujuan untuk menghasilkan, dan berasal dari proposisi penelitian yang dapat direplikasi namun dilakukan untuk menghasilkan artefak, performa, narasi atau pengalaman baru dalam rangka mengembangkan semesta artistik. Melihat keberadaan seni yang serba artifaktual, non-proposisional dan unik, karya seni dianggap sebagai semata-mata produk dari emosi subjektif, di mana perannya dianggap tidak lebih dari tontonan, hiburan atau ornamen, yang pada saat yang sama menyiratkan hubungannya yang marginal dengan pengetahuan. Namun, dilema ini bukan sesuatu yang sudah jelas dengan sendirinya, karena nyatanya dihasilkan dari pandangan filosofis tertentu, yaitu, pandangan yang membelah tajam antara pikiran dan tubuh, rasional dan emosional, subjek dan objek, dan sebagainya yang diturunkan pada kita dari tradisi Platonis dan Cartesian. Adalah pemikiran proseni dari John Dewey yang bergerak sebelum bifurkasi Platonis/Cartesian yang akan dibahas dalam makalah ini. Seni, bagi Dewey, bukan produk dari subjektivitas belaka, melainkan muncul dari "pengalaman," dipahami sebagai "transaksi" manusia-lingkungan yang bersifat primer, pra-linguistik (oleh karena itu pra-dualisme) dan menubuh (artifaktual). Diletakkan di ranah semendasar ini, seni mendapatkan kembali signifikansi terpentingnya.
Graffiti Virtual Exhibition “Pandemic Youth” Donna Carollina
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 7, No 2 (2020): Desember 2020
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v7i2.4655

Abstract

In the middle of March 2020, Indonesia declared a Covid-19 emergency. This pandemic has an impact on art activities, including the artistic world of graffiti. During this time, the activities of graffiti artists in public spaces were increasingly limited. However, this limitation does not dampen their spirit, especially in terms of organizing exhibitions. Where on May 17, 2020, they held a virtual exhibition titled "Youth Pandemics." This topic is interesting to discuss since organizing a virtual exhibition is a new thing for graffiti artists, especially in Indonesia. This research uses the descriptive qualitative method. This study's results reveal that implementing a virtual exhibition gave new alternative space for graffiti artists during a pandemic. Also, a virtual exhibition is a place to gather for graffiti artists amid their social limitations. Pameran Virtual Graffiti “Pandemic Youth” ABSTRAK Medio Maret 2020 Indonesia dinyatakan darurat Covid-19. Pandemik ini berdampak pada aktivitas seni termasuk di dalamnya dunia artistik graffiti. Selama pandemik, aktivitas artistik pelaku graffiti di ruang publik semakin terbatas. Namun batasan ini tidak menyurutkan semangat berkesenian sebagian pelaku graffiti, terutama dalam hal penyelenggaraan pameran. Dimana pada 17 Mei 2020 lalu mereka menyelenggarakan pameran virtual bertajuk “Pandemic Youth”. Topik ini menarik untuk dibahas mengingat upaya penyelenggaraan pameran virtual ini merupakan hal yang baru bagi pelaku graffiti khususnya di Indonesia. Penelitian ini menggunakan metode kualitatif deskriptif. Hasil dari penelitian ini mengungkap bahwa penyelenggaraan pameran virtual menambah alternatif baru bagi ruang berekspresi para pelaku graffiti di tengah pandemik. Selain itu pameran virtual sekaligus menjadi wadah berkumpul bagi para pelaku graffiti di tengah keterbatasan sosial mereka.
Biomimicry Learning as Inspiration for Product Design Innovation in Industrial Revolution 4.0 Dina Lestari
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 7, No 1 (2020): June 2020
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v7i1.4160

Abstract

ABSTRACTNature can be a source of unlimited inspiration, biomimicry is an innovative approach to find sustainable solutions to overcome problems and meet human needs by imitating existing patterns and strategies in nature. The Industrial Revolution 4.0 brought many changes in human life, changes in lifestyles, ways of working, ways of learning, and ways of communicating between humans in many aspects. Most University students make use of technology to find and develop their ideas especially in creative industries where the OIM (Observe, Imitate, Modify) practice can be done through the Internet by observing from another researcher's observation. While biomimicry offers researchers to observe nature and create technology innovation inspired by nature. Students need to experience and learn from nature and use technology wisely. This study examines the biomimicryinspired works of Product Design undergraduate program students of Podomoro University Jakarta. The methodology research that we use in this study is a qualitative participatory method with comparative and correlational studies. The content of this study is to learn and evaluate the process and result of student's biomimicry observation into innovative product design. The conclusion can also be drawn that comparing the different levels of students which is the first year, second year, and third-year students by using the biomimicry observation approach will show variated concepts and skills on their work depending on what knowledge that they have learned from each semester. Pembelajaran Biomimikri sebagai Inspirasi dalam Inovasi Desain Produk di Era Revolusi Industri 4.0 ABSTRAK Alam dapat menjadi sumber inspirasi tanpa batas, biomimikri adalah pendekatan inovatif untuk menemukan solusi berkelanjutan untuk mengatasi berbagai permasalahan dan memenuhi kebutuhan manusia dengan meniru pola serta strategi yang nyata di alam. Revolusi Industri 4.0 membawa banyak perubahan dalam kehidupan manusia, perubahan gaya hidup, cara bekerja, cara belajar, dan cara berkomunikasi antara manusia dalam banyak aspek. Sebagian besar mahasiswa memanfaatkan teknologi untuk menemukan dan mengembangkan ideide mereka terutama di industri kreatif di mana praktik ATM (Amati, Tiru, Modifikasi) dapat dilakukan melalui Internet dengan mengamati dari pengamatan peneliti lain. Sementara biomimikri menawarkan peneliti untuk mengamati alam dan menciptakan inovasi teknologi yang terinspirasi oleh alam. Diharapkan dengan riset ini siswa bisa mendapatkan pengalaman nyata, mereka dapat termotivasi untuk mempelajari alam dan juga dapat menggunakan teknologi secara bijaksana. Riset ini bertujuan untuk mengkaji karya-karya yang terinspirasi biomimikri dari mahasiswa program sarjana jurusan Desain Produk Universitas Agung Podomoro Jakarta. Metodologi penelitian yang digunakan dalam riset ini adalah metode kualitatif parsitipatif dengan pendekatan korelatif serta komparatif. Konten kajian dalam studi ini merupakan evaluasi serta proses pembelajaran mahasiswa dalam penciptaan desain produk inovatif. Dari hasil riset ini dapat ditarik kesimpulan bahwa ternyata setelah melakukan perbandingan rancangan mahasiswa tahun pertama, kedua dan ketiga dengan menggunakan pendekatan observasi biomimikri maka ditemukan adanya perbedaan hasil serta tingkat keterampilan pada masing-masing angkatan tergantung dari pengetahuan yang mereka telah pelajari dan dapatkan di setiap semesternya.
The Creation of Nyanyian Layonsari Opera I Gusti Ngurah Wiryawan Budhiana
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 7, No 1 (2020): June 2020
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v7i1.4161

Abstract

ABSTRACTThe creation of Nyanyian Layonsari was started with the writer's anxiety as a musician. In his journey as a cellist and conductor, he plays many works originating from Western Classical composers. In concerts, he rarely plays works originating from Indonesian composers; even it can be said to have never played them. From that experience, the writer wants to make a composition which has a characteristic. Nyanyian Layonsari is inspired by Geguritan Jayaprana which comes from North Bali. This work tells the story of the love tragedy between Jayaprana and Layonsari. The drama begins when Raja Kalianget falls in love with Layonsari, Jayaprana's wife, and wants to marry her. The story in this opera ends tragically when all are killed and all destroyed. The uniqueness of the story is on the atmosphere of sadness in the beginning when an outbreak of disease occurs, and it ends with the sadness too when all is destroyed. The Jayaprana and Layonsari stories are full of moral messages. In the creating process of Nyanyian Layonsari, the idioms of Balinese music were used, namely, kotekan, beetle sound effect “ngisep”, and “kajar” sound effect. In addition to Balinese musical idioms, nine-note synthetic scales were also used which were based on and inspired by the pelog and slendro harmony. The elements of music were processed based on the understanding of Western music theories. Through this staging opera, it is expected to convey the messages contained in the story and can be understood by the audiences. Besides, the creation of Nyanyian Layonsari Opera can bring a distinctive musical style and can be used as a development in the field of music composition in Indonesia, and can be raised in international forums.  Penciptaan Opera Nyanyian Layonsari ABSTRAK Penciptaan Nyanyian Layonsari dimulai dari kegelisahan penulis sebagai musisi. Dalam perjalanannya sebagai pemain cello dan kondakter, banyak memainkan karya-karya yang berasal dari komponis Klasik Barat. Dalam konser-konser jarang sekali memainkan bahkan bisa dikatakan tidak pernah memainkan karya yang berasal dari komponis Indonesia. Dari pengalaman itu penulis ingin membuat komposisi yang memiliki ciri yang khas. Nyanyian Layonsari bersumber dari Geguritan Jayaprana yang berasal dari Bali Utara. Karya ini mengisahkan tentang tragedi cinta antara Jayaprana dan Layonsari. Tragedi dimulai ketika Raja Kalianget jatuh cinta kepada Layonsari, istri Jayaprana dan ingin memilikinya. Kisah dalam opera ini berakhir tragis ketika semua saling bunuh dan semua musnah. Keunikan dari cerita ini adalah, diawali dengan suasana kesedihan, katika terjadi wabah penyakit dan berakhir dengan kesedihan pula, ketika semua musnah. Kisah Jayaprana dan Layonsari sarat mengandung pesan-pesan moral. Dalam penggarapan Nyanyian Layonsari digunakan idiom-idiom musik Bali yaitu, kotekan, efek suara kumbang ngisep, dan efek suara kajar. Selain idiom musik Bali, digunakan juga tangga-nada sintetis Sembilan-nada yang bersumber dan terinspirasi dari laras pelog dan laras slendro. Unsurunsur musik diolah berdasarkan pemahaman teori musik Barat. Melalui pementasan Opera ini diharapkan dapat menyampaikan pesan yang terkandung di dalam cerita dan bisa dimengerti oleh audiens. Selain itu penciptaan Opera Nyanyian Layonsari ini dapat memunculkan gaya musikal yang khas dan dapat digunakan sebagai pengembangan bidang komposisi musik di Indonesia dan dapat dimunculkan di forum internasional.
From Imagination to Compassion and Democracy: Martha Nussbaum on the Role of Art Ferdinand Indrajaya
IJCAS (International Journal of Creative and Arts Studies) Vol 6, No 2 (2019): December 2019
Publisher : Graduate School of Institut Seni Indonesia Yogyakarta

Show Abstract | Download Original | Original Source | Check in Google Scholar | DOI: 10.24821/ijcas.v6i2.3426

Abstract

ABSTRACTIt is undeniable that most of our modern universities are portraying themselves as factory-like institutions which manufacture useful knowledge. The term “useful knowledge” refers to a type of knowledge which directly has immediate payoff and practically commodifiable. Most modern universities are no longer spotlighted as the generator of new knowledge, the influential bodies in civic life and nation-state, the greatest critics of public policies, but reduced to and figuring as a major agent of economic growth. Posting economic growth as the model for universities is a form of corporatism in higher education level. Art disciplines, as a part of humanities, are inevitably framed by such a model. In which, art is understood as a mere aesthetic commodity and the artist is seen as a mechanical subject to be manipulated by profit motifs. This view has been well prevailing, but it is not incontestable. This paper is written as an attempt to critically respond towards such prevailing corporatist view. To do that, the author borrows some philosophical perspectives from an American philosopher, Martha C. Nussbaum (1947–now). Her philosophical accounts on art, imagination, and compassion as a form of distinctive moral emotion are considerably an adversary to the current perspective of art education which has been colonized by corporatism. From her perspective, more than just a mere commodity, art has a significant role in upholding democracy. Art has the power to nurture compassion, in which respect and concern for others are inherent. Respect and concern are the vital-ethical ingredients for democracy. One particular art form which, according to Nussbaum, can nurture compassion, intensively, is a tragedy. Through which, we shall see other people as human beings, not as objects of manipulation. Such philosophical views of hers may re-attune our current perspective on art education. ABSTRAK Sulit dipungkiri bahwa kebanyakan dari universitas modern/masa kini kerap menampilkan wajahnya sebagai institusi yang serupa dengan pabrik manufaktur pengetahuan yang berguna. Istilah “pengetahuan yang berguna” merujuk kepada pengetahuan yang berdampak langsung dan secara praktis dapat dikomodifikasi. Kebanyakan dari universitas masa kini tidak lagi disorot sebagai sebuah generator bagi kebaruan pengetahuan, lembaga yang berpengaruh bagi kehidupan civic dan negara bangsa, kritikus terbesar bagi kebijakan-kebijakan publik, akan tetapi terreduksi sebagai agen utama dari pertumbuhan ekonomi. Penempatan pertumbuhan ekonomi sebagai model yang diacu oleh universitas sesungguhnya adalah sebuah wujud korporatisme pada aras perguruan tinggi. Disiplin keilimuan seni, sebagai sebuah bagian dari humaniora, turut terbingkai oleh model tersebut. Dari perspektif korporatisme, seni dipahami sekadar komoditas estetis dan sang seniman dipandang sebagai subjek mekanistik yang dapat dimanipulasi oleh motif-motif profit. Pandangan ini masih bertahan dan populer sampai saat ini, akan tetapi tidak berarti tidak dapat dikontestasikan. Makalah ini ditulis sebagai sebuah upaya untuk menanggapi secara kritis pandangan korporatistik tersebut. Dalam rangka mencapai tujuan tersebut, penulis merujuk kepada beberapa pandangan filosofis dari salah satu filosof asal Amerika, yakni Martha Nussbaum (1947-sekarang). Pandangan filosofisnya tentang seni, imajinasi, dan bela rasa sebagai sebuah bentuk emosi moral distingtif adalah lawan dari perspektif tentang pendidikan seni yang telah dikolonisasi oleh korporatisme. Seni, melalui perspektifnya, memiliki peran yang signifikan dalam menegakkan demokrasi; keberadaannya lebih dari sekadar komoditas. Baginya seni berdaya untuk memelihara bela rasa, yang di dalamnya rasa hormat dan kepedulian terhadap yang lain inheren. Rasa hormat dan kepedulian, dalam hal ini, adalah unsur etis yang vital bagi demokrasi. Salah satu bentuk partikular dari seni yang menurut Nussbaum mampu secara intensif memelihara bela rasa, adalah tragedi. Melalui tragedi, kita akan memandang orang lain sebagai manusia, bukan sebagai objek untuk dimanipulasi. Pandangan-pandangan filosofis darinya merupakan ajakan bagi kita untuk menala kembali perspektif yang bertahan hingga kini tentang pendidikan seni.

Page 12 of 19 | Total Record : 186

 10   11   12   13   14 

Filter by Year

2014 2025


Reset
Filter By Issues
All Issue Vol 12, No 2 (2025): December 2025 Vol 12, No 1 (2025): June 2025 Vol 11, No 2 (2024): December 2024 Vol 11, No 1 (2024): June 2024 Vol 10, No 2 (2023): December 2023 Vol 10, No 1 (2023): June 2023 Vol 9, No 2 (2022): December 2022 Vol 9, No 1 (2022): June 2022 Vol 8, No 2 (2021): December 2021 Vol 8, No 1 (2021): June 2021 Vol 7, No 2 (2020): Desember 2020 Vol 7, No 1 (2020): June 2020 Vol 6, No 2 (2019): December 2019 Vol 6, No 1 (2019): June 2019 Vol 5, No 2 (2018): December 2018 Vol 5, No 1 (2018): June 2018 Vol 5, No 1 (2018): June 2018 Vol 4, No 2 (2017): December 2017 Vol 4, No 1 (2017): June 2017 Vol 3, No 2 (2016): December 2016 Vol 3, No 1 (2016): June 2016 Vol 2, No 2 (2015): December 2015 Vol 2, No 2 (2015): December 2015 Vol 2, No 1 (2015): June 2015 Vol 2, No 1 (2015): June 2015 Vol 1, No 2 (2014): December 2014 Vol 1, No 2 (2014): December 2014 Vol 1, No 1 (2014): June 2014 Vol 1, No 1 (2014): June 2014 More Issue